"Expresión Plástica y Artística. Educación Primaria, UCAM": octubre 2013

domingo, 20 de octubre de 2013

martes, 1 de octubre de 2013

TEMA 10: Departamentos de didáctica en instituciones culturales-artísticas

" Cómo hablar del arte a los niños".

Cuando vamos a visitar un museo lo más importante es que los niños vean esta visita como una actividad cotidiana, como algo divertido en el que loa niños asitan con gran regularidad y que no lo ven como una obligación.

François Barbe- Gall propone unas orientaciones para la visita de un museo según la edad de los niños.

- De 5 a 7 años: A los niños de esta edad le atraen los colores llamativos, coloridos y vivos. El color que más llama la atención a los niños es el color rojo. Les atrae las representaciones reales, familiares, en las cuales abunden emociones, sentimientos y el movimiento. Los niños lo primero que ven son los primeros detalles para aumentar la atención de los niños hay que tener en cuenta la presentación de imágenes.

- De 8 a 10 años: A estas edades, les llama la atención los contrastes de colores, con guerras en las cuales que el bueno sea siempre el que gane.

De esto la mejor forma es la de ir a los museos.

Las preguntas serán más incisivas para incrementar la refelxión de los niños.

- De 11 a 13 años: Los niños se interesan por el interior de los personajes, su personalidad, etc. El tiempo en el cual ha realizado la obra, su interés por el tiempo, la técnica utilizada, ... Tienden a comparar las obras. A interesarse más por el interior y su importancia en dichos cuadros.

Saénz, T. ( 2002) propone unos manuales para estudiar obras como tales y atraer a los alumnos de tercer ciclo al lenguaje artístico.

Una de las obras más destacadas es " El Guernica" realizada por el grandísimo pintor, Pablo Picasso.

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TEMA 9: La imagen como recurso visual y la sociedad contemporánea.

En la actualidad todos vemos día a día imágenes de publicidad, esto es algo que ocurre con frecuencia. La nuestra es la sociedad con más concentración de imágenes con mensajes visuales que podamos encontrar.

Podemos recordar u olvidar estos mensajes, pero solemos captarlos por breves momentos, incluso llegando a estimular nuestra imaginación a través del recuerdo.

Las imágenes corresponden a un momento dado y deben de ir actualizándose para tener su sentido.

A menudo estamos acostumbrados a recibir estas imágenes por lo que no sentimos un impacto total al verlas, aunque las personas pueden centrarse en imágenes concretas ya sea porque les interese esa información que transmite.

A menudo se explica la publicidad como algo competitivo que se encarga de beneficiar al público, esto está relacionado estrechamente con el tema de la libertad.

Aprender a leer imágenes nos ayuda a aprender a disfrutarlas, a darles un sentido que merecen.

La publicidad es un agente activo de nuestra cultura. Utiliza signos basados en las señales naturales que después pasarán a ser culturizadas al formar parte del conjunto simbólico de la comunidad.

La publicidad se centra en un posible comprador, para ofrecerle una imagen de sí mismo que resulta fascinante gracias al producto o a la oportunidad que se está intentando vender. La publicidad se centra en las relaciones sociales, no en los objetos, no promete el placer, sino la felicidad. No debemos confundir la publicidad con el placer de las cosas que nos ofrece.

Hay estudiosos que saben que el color o la forma son determinantes para que el comprador se decante por el producto. La ergonomía estudia el tipo de interrelaciones hombre-objeto.

La información visual capta poco a poco el trazado cultural, y se encarga de estructurar nuestros hábitos.

Cualquier obra de arte “citada” por la publicidad sirve para dos fines: Es un signo de riqueza, forma parte del mobiliario que el mundo atribuye al rico; y sugiere también una sabiduría que es superior a cualquier vulgar interés material.

La publicidad es la cultura de la sociedad de consumo. El propósito de la publicidad es que el espectador no se sienta satisfecho con su modo de vida presente, la publicidad le insinúa que comprando lo que se le ofrece, su vida mejorará.

Toda publicidad actúa sobre la ansiedad. Todo tiene en cuenta el dinero, en hacer dinero para superar esa ansiedad. La ansiedad básica con la que juega la publicidad es el temor de que al no tener nada no eres nada. La publicidad es la vida del capitalismo y al mismo tiempo su sueño.
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TEMA 8: Aportaciones de la educación artística al desarrollo humano y al curriculum escolar.

Desde siempre se ha ido teniendo muy en cuenta los valores, y estos se han añadido también a la enseñanza del arte dentro de las aulas. No todas las culturas enseñan de la misma manera, por ejemplo, en un aula de China, veremos a los niños inclinados sobre sus pupitres y creando pinturas de la forma tradicional que se ha ido empleando desde hace tiempo, y reproduciendo antiguas obras muy famosas que han tenido mucha relevancia en el tiempo; sin embargo, en un aula de Estados Unidos, lo que se procura hacer es que los niños lleven la iniciativa y que ellos mismos desarrollen sus habilidades artísticas, desarrollando sus propias creaciones, con la ayuda del docente que les brinda todos los materiales atractivos que puedan necesitar.

Lo que se pretende con todo esto es analizar los estudios realizados por numerosos psicólogos para llegar a conocer la relación que podemos encontrar entre la educación artística y el desarrollo humano. Después de que Charles Darwin estableciera sus criterios para la evolución, numerosos entendidos en el tema se plantearon nuevas incógnitas, y a desarrollar nuevos estudios basándose en las etapas por las que pasa el ser humano, un ejemplo de esto lo encontramos en las etapas de Piaget, el cual no se negaba a reconocer que hay numerosas diferencias entre culturas, y esto está directamente ligado al modo de enseñanza; pero aún así Piaget estaba decidido a proponer un modelo universal.

Existen tres aspectos relevantes que desarrollan los niños durante estas etapas relacionadas con el arte según algunos investigadores orientados: la percepción, la conceptualización y la producción. Lo que nos explica que los niños desarrollan mejor sus capacidades sensoriales y perceptivas para las actividades artísticas durante su infancia, pero a pesar de esto, estas capacidades también pueden ir creciendo a lo largo de sus vidas.

Se ha comprobado que el aprendizaje es más rico cuando se desarrolla en un contexto exterior, es decir, fuera del aula, donde el niño está abierto a todo lo que le llega y establece un primer contacto con el medio. Sin embargo, el aprendizaje dentro de un contexto más formal está un poco más limitado, porque es más bien una imposición, el niño sólo percibe lo que el profesor le muestra. Claro que todo esto depende como se ha dicho anteriormente de los valores y las diferentes culturas de cada lugar.
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TEMA 7: Análisis del desarrollo del dibujo espontáneo en los niños/niñas

Para comenzar con este resumen hay que decir que de los 9 a los 12 años los niños se dan cuenta de que forman parte de la sociedad. Los niños de estas edades son cada vez más consciente del mundo real y de las emociones que hay en él.

Los niños de 9 años tienden a hacer en los dibujos parte más grandes para destacarlas pero hay un estudio que afirma que poco a poco dejan de hacer las figuras más grandes y lo que hacen es acumular un gran número de cosas en el dibujo para llamar la atención.

A esta edad lo niños comienzan a diferenciar el color de lo objeto ya no es todo azul, sino que hay diferentes azules, ni todo verde hay diferente tonalidades de verde.

Durante esta edad el niño e comporta diferente en cuanto al término espacio, deja las coa concretas para comprender las abstractas y hacen que muchas figuras en un trozo de papel tengan relación entre sí.

Comienzan a tener conciencia del diseño y hay que enseñarles lo que está bien y e creativo y lo que está mal y es un plagio así como la correcta utilización de los materiales, llevando diseño y materiales de la mano como si de uno solo se tratase.

Durante esta edad el niño también empieza a cuestionar su entorno y a preguntarse por qué las cosas funcionan cómo funcionan y esto lo llevará hacia algo más crítico y creativo en cuanto al arte se refiere.

Muchas veces en sus dibujos muestran el crecimiento, dibujándose a ellos mismos más grandes que objetos que en la vida real son más grandes que un ser humano, como edificios árboles, etc.

Debemos crear una motivación artística diariamente con una diversión y un aprendizaje tan bueno y ameno que cuando a un adulto le pregunten los recuerdos de su infancia sea capaz de recordar estos momentos en los que estaba creando su creatividad artística.

El tema es algo muy importante, las niñas tendían a dibujar flores y los niños deportes, pero según avanza la sociedad y con la coeducación debemos hacer que dibujes cosas creativas y menos diferentes entre niños y niñas.
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TEMA 6: Análisis del desarrollo del dibujo espontáneo en los niños/niñas

Esquemas:

Los niños desarrollan un símbolo. A ese símbolo lo denominamos Esquemas.

Los esquemas varían dependiendo de un niño a otro. Cuando el niño hace un dibujo, éste es el símbolo de su imagen mental.

Según las características de los dibujos esquemáticos; cuando el niño dibuja una figura humana se reconoce fácilmente. Esto sucede aproximadamente a los siete años.

A parte de ello también realizan más partes del cuerpo completas y diferenciadas.

Los niños usan una línea básica y otras veces los niños mezclan el alzado y el plano.

A a la edad de siete años, el niño ya es consciente de el orden espacial.

Presentación en rayos x:

Por ejemplo cuando los niños dibujan un edificio, no diferencian el interior y el exterior del mismo, si no que lo mezclan.

Representación de tiempo y espacio:

Para los niños contar historias es uno de los mayores objetivos espacio temporales.

Los niños hacen dibujos en una secuencia concreta para contar una historia.

Color y Diseño:

El niño colorea cosas más objetivas, por tanto el niño ya empieza a generalizar más las cosas de su alrededor.

Desarrollo del niño en la escuela Primaria:

Variación del egocentrismo de los niños. Y esto se ve reflejado en sus dibujos.

Los dibujos esquemáticos como reflejo del desarrollo:

El Arte sirve para liberar tensiones y debemos fomentar la libertad de expresión de los alumnos mediante el dibujo.

Motivación Artística:

El docente es el que tiene que motivar a sus alumnos. Atender las dificultades individuales y crear un ambiente propicio y de bienestar en clase. Para ello de debe fomentar la libertad de expresión.

El tema:

La expresión Artística debe ser la expresión del niño. Los niños deberían elegir sus temas.

Así, de esta manera que ellos solos se pregunten el porqué de sus dibujos.

Materiales Artísticos:

Debemos saber que el material no debe de ser un obstáculo a la hora de dibujar y expresarse, si no todo lo contrario.
tenemos que tener en cuenta que; Cada material se debe utilizar con su debido uso y responsabilidad.

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TEMA 5: Lenguaje plástico y visual: Conceptos básicos.

El lenguaje visual se articula a través de dos grandes herramientas: las de configuración a través de las cuales se construye el significante y significado. Y las de organización que se encargan de ordenar y jerarquizar.

1. Herramientas de configuración:

a) El tamaño: es imprescindible a la hora de crear un producto definitivo, ha de seleccionarse en relación con la escala del espectador.

b) La forma: es la determinación exterior de la materia. Existen dos tipos de formas; naturales y artificiales.

c) El color: es una herramienta visual cargada de información, por tanto es uno de los recursos más importantes a la hora de transmitir información. Hay dos clases de colores; los pigmento (cyan, amarillo y magenta) los colores luz (rojo, verde y azul). Para transmitir un mensaje es imprescindible dominar tres aspectos relativos al color: luminosidad, saturación y temperatura.

d) La textura: este material se elige como soporte y construcción de la imagen. La textura se puede definir como la materia de la que está constituido un producto visual, así como la representación visual de cualquier materia.

Se pueden diferenciar dos tipos de textura: textura de soporte y textura de los materiales.

2. Herramientas de organización:

a) La composición: es la ordenación de herramientas en función del mensaje que se busque transmitir, de forma que cada elemento encaje en un lugar determinado para así formar un conjunto.

Para generar significado a través del sistema de organización formal, se pueden utilizar distintos tipos de recursos que van a generar una estructura reposada o dinámica.

· Recursos para crear una estructura reposada: constantes, simétricos, rectos, centrípetos, completos, centrados…

· Recursos para crear una estructura dinámica: inconstantes, asimétricos, oblicuos, centrífugos…

b) La retórica visual: se utiliza para interconectar los distintos significados de los componentes del producto visual. Figuras básicas de la retórica visual:

· De sustitución: metáfora, alegoría, metonimia…

· De comparación: oposición, paralelismo, gradación.

· De adjunción: repetición, hipérbole, préstamo.

· De supresión: elipsis.

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TEMA 4: La personalidad creativa.

El concepto de creatividad es muy subjetivo en la actualidad y no hay nada exacto en cuanto a su definición, por tanto el concepto de creatividad, no es preciso y ha sufrido cambios y evoluciones, dependiendo de la cultura en que sea utilizado.

Es fundamental que en las aulas el docente se encargue de ser creativo con sus alumnos ya que esto llevará a la motivación de los niños y les llevará a desarrollar su lado creativo.

Los cuatro tipos de conducta creadora son:

1.- La conducta que no admite limites, extiende los temas y las formas comunes de la obra de arte a través de nuevas combinaciones y de distintas elaboraciones.

2.- La conducta inventiva crea nuevos temas.

3.- La conducta que supera los límites inventa nuevos temas de forma innovadora, con ingenio y con imaginación.

4.- La conducta organizadora se encarga de construir un proceso ordenado o coherente que mantenga un equilibrio, centrándose así en el orden estético.

La característica concreta del hombre no es una naturaleza metafísica o física sino su obra, su arte. Esta obra determina el contexto de la humanidad, el arte es un elemento de expresión.

Concebimos el arte como un elemento que nos ayuda a expresar, más que a comunicar. El artista se atreve a realizar expresiones estableciendo mensajes que espera que sean captados por la sociedad. El artista está condicionado por la realidad compleja que nos rodea.

Las enseñanzas artísticas habitualmente se consideran difíciles de enseñar y es una fuente que ayuda a determinar la experiencia educativa transformando y condicionando su sentido.

Como educadores debemos enseñar y ayudar a nuestros alumnos a desarrollar la creatividad, pero para ello debemos desarrollarla nosotros primero. Pero a su vez debemos tener en cuenta que el mundo educativo que nos rodea está limitando constantemente al docente a practicar su creatividad con sus protocolos actuales, leyes y demás.

Podemos diseñar programas y currículos educativos para adaptándolos a nuestras necesidades y a las de nuestros alumnos.

Para utilizar la creatividad dentro del centro educativo debemos de aplicar una técnica, para ello separamos los procesos en dos: “el momento creativo y el momento de evaluación”.

En primer lugar aplicaremos la técnica creativa, examinando las ventajas y desventajas de esta propuesta y vemos si es posible ponerla en práctica en nuestra aula y hasta qué punto esto es posible. Un factor para practicar la creatividad sería el diseño de actividades de clase.

Mediante el uso de la creatividad podemos adaptar los currículos oficiales a nuestras necesidades y trabajar los aspectos que creamos convenientes para nuestro alumnado.

El currículo limita en gran medida al profesorado, pero otros factores que son importantes y que limitan al docente son el tiempo y los medios que podemos utilizar.

En segundo lugar la creatividad en la evaluación debe tener en cuenta las nuevas propuestas planteadas que sirvan para evaluar el trabajo del alumnado. Por otra parte las actividades extraescolares ayudan al desarrollo de la creatividad dando algo de libertad al alumnado a la hora de trabajar su sentido creativo. Otro aspecto para trabajar la creatividad serían los métodos de evaluación, especialmente en primeros ciclos de Primaria donde la evaluación tiene un carácter más didáctico, y por lo tanto nos permite tener distintos métodos de evaluación además de un examen que necesita una nota numérica.

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TEMA 3: Percepción, expresión y comunicación.

MODOS DE VER

John Berger habla de que la vista llega antes que las palabras. Las personas percibimos siempre más a través de nuestros ojos que mediante una explicación en la que no podemos echar un vistazo para comprobar si es cierto lo que se dice o no lo es. Sin embargo, el conocimiento no depende de lo que nosotros percibimos mediante la vista, sino que puede verse influido por ella. Por este motivo todo lo que vemos toma una forma u otra de ver dependiendo de la persona que lo esté mirando; una obra no tiene por qué tener el mismo significado para dos personas, una de ellas puede ver serenidad y tranquilidad y, por el contrario, otra persona puede percibir desasosiego. Pero no todo está a la luz y nos es fácil echar un vistazo, por eso el ser humano ha ido creando instrumentos que nos ayuden a ver más allá de hasta dónde llegan nuestros ojos. La televisión es un ejemplo de ello; este instrumento nos ha llevado hasta lugares en los que no hemos estado y nos ha mostrado cosas nunca vistas. Y ya no sólo la televisión, sino también las cámaras fotográficas, el cine, el vídeo, los ordenadores; todas estas herramientas que nos permiten ver desde bacterias hasta trasladarnos a otra época para explicarnos el motivo del origen del mundo, por ejemplo. Esto fue lo que utilizó John Berger para su programa de televisión, usó las imágenes, la televisión, para mostrar cómo las imágenes pueden hacerte creer en algo y el poder que tienen sobre nosotros. Por el contrario, en la pintura lo que puede hacer la cámara es alterar las imágenes, cambiar los colores, variar su tamaño,… Poco después, esta serie de televisión derivó en un libro, y su objetivo siempre ha sido mostrar e indagar sobre la influencia que ejerce sobre nosotros una obra de arte. Lo que John Berger hacía era acompañar con sus cámaras a las personas al interior de una galería de arte, sin ningún tipo de acompañamiento musical, únicamente la persona y la obra de arte, para que el silencio y las pinturas hablen por sí mismas al espectador, sin ningún tipo de influencia externa. Sin embargo, en esta versión a modo de libro es el lector el que maneja todo lo que extrae de sus páginas, es el que las organiza dentro de su cabeza y hace una interpretación totalmente subjetiva.

Los escultectos margivagantes son los que crean esculturas basándose en lugares y cosas marginales y las trasladan al mundo del arte de forma algo extravagante. Los responsables de estas obras suelen ser juzgados por seres solitarios, introvertidos y también se les acusa de sufrir algún tipo de desequilibrio mental, lo cual no es verdad. Así mismo, estos autores no siguen ningún patrón fijo derivado de obras de arte remuneradas en el tiempo, sino que únicamente disponen de un lugar y un tiempo para llevar a cabo sus creaciones. Aún así en estas obras se puede ver una gran innovación y un reflejo de la sociedad, lo que las convierte en obras de arte disfrazadas. La mayoría de las herramientas que usan estos autores para crear sus obras son elementos reciclados. El art brut es el arte que no sigue ningún convencionalismo social ni cultural, sino que tiene sus propias reglas y no es influido por nada.

El arte marginal es el que no se encuentra entre los cánones de la sociedad, sino que toma sus propias decisiones y sigue sus propios valores. Este tipo de arte ha ido tomando más relevancia en la actualidad y vemos en él un modo diferente de mostrar un sentimiento profundo del autor. Lo que se pretende con este arte es que se tome relevancia a este tipo de autores dentro del arte en sí mismo.

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TEMA 2: La apreciación plástica de estilos artísticos. La necesidad de juicios críticos.

La belleza.

El sentido común tiende a considerar bella a las cosas bien proporcionadas. Si nos remontamos a la antigüedad una de las primeras personas en proclamar esta idea fue Pitágoras, el proclamaba que todo seguía un orden y una medida. La medida y la armonía es lo que realmente crea la belleza.

A medida que ha ido pasando el tiempo la estética y la proporción en el arte han ido cambiando y evolucionando.

Santo Tomás proclama que para que exista belleza debe haber integridad, es decir cada elemento debe tener todas sus partes. En caso de que exista una mutilación o carencia de algo; esto ya no sería bello. También habla de la “adecuación al fin” es decir que los objetos se crean para un uso determinado.

Burke tiene una visión distinta a Santo Tomás, se postula en contra de la proporción, para el la belleza se encuentra mas allá de las reglas del mundo físico.

Se habla de belleza cuando se disfruta de algo por lo que es en sí mismo, independientemente del hecho de que lo poseamos o no.

Lo siniestro.

Al igual que sucede con la belleza este tema también da lugar a distintas definiciones acerca de los siniestro. Según Freud lo siniestro es aquello que debería permanecer oculto y que ha salido a la luz; este tema fue trabajado por Freud a propósito de un cuento de Hoffman “El hombre de arena”.

Para Jentsh lo define como algo inusual, desconcertado, perdido.

En la literatura y en el cine se juega muchos con estos temas, pues producen efectos inquietantes en el receptor; un claro ejemplo es el vampirismo a través del cual la figura de un simple murciélago puede desatar un sinfín de emociones.

Ernest Gombrich fue un historiador de arte británico, de orígenes austriacos. Este autor proclama que no existe el arte, tan solo existen artistas. La palabra Arte con mayúscula no existe, esto es solo motivo de ídolos. Cada uno como persona juzga el arte a su manera y entran en juego sus gustos y aversiones.

La hermosura de un cuadro no reside realmente en la belleza de su tema, sino en la forma en la que son pintados estos cuadros.

Ambos temas son muy subjetivos y nos ofrecen opiniones muy dispares, por eso hemos llegado a la conclusión de que la belleza esta en los ojos del que observa.

Vanesa Mellado Saura

http://youtu.be/0IL1iAhyUJk

Eva García Navarro

http://youtu.be/GzrR1KQ5Dhg

Patricia Roca Robles

http://youtu.be/AwXXPj_qTxQ

María Victoria Cerezo Navarro

http://www.youtube.com/watch?v=1wmCIpLpyOM

María Teresa Cánovas Hernández

http://www.youtube.com/watch?v=fGauBvzxGes&feature=youtu.be

TEMA 1: El docente y la educación artística.

Con respecto al artículo de Carmen Alcaide, lo primero que hay que decir es que la universidad es muy importante para la correcta formación del personal docente, de infantil y primaria y que nos encontramos en una situación en la que hay posibilidad de modificar las estructuras de la formación docente para adecuarlas a las necesidades actuales. Uno de estos cambios es que desaparezcan las especialidades pero se ofrece la oportunidad de cursar estudios en grado y máster en educación artística.

Es importante dotar a los docentes de una enseñanza de calidad en expresión plástica y musical ya que es muy importante para los alumnos que sus docentes en los cursos de infantil y primaria sepan abordar bien estas asignaturas.

Hay una contradicción sobre el prestigio del Arte, el desarrollo social de las Artes es inmenso y contrasta con la poca formación que se ofrece sobre ellas, el tiempo destinado en los currículos es escaso y muchas veces la enseñanza es errónea.

El gran problema de esto es la formación inicial de el docente, no está preparado para abordar las materias estético- expresivas.

Hay que generar nuevos planes de estudio para la formación de nuevos maestros teniendo en cuenta distintas posibilidades de acceso.

En el artículo se habla sobre una serie de propuestas de títulos relacionados con las materias estético-expresivas y que pretenden proporcionar en un futuro docentes en artes y capaces de transmitir al alumno un juicio crítico, creatividad y motivación que hasta ahora no estamos siendo capaces de ofrecerles los docentes.

Para comenzar a hablar del artículo "La educación artística o la pervivencia de una paradoja" hay que decir que solo el artista es creativo, las personas no podemos hablar de creatividad en forma de medida es decir; no podemos decir si una actividad es más creativa que otra sino la forma en la que el artista tratas sus obras mediría la creatividad que hay en ellas.

Hay un problema cuando se trata de enseñar al alumno las materias estético-expresivas y es los docentes no desarrollan su creatividad sino que los inducen a copiar o a actividades nada motivadoras y aburridas.

A continuación en el artículo se ponen en manifiesto una serie de errores que comete la sociedad con respecto a las artes como son no darle valoración pedagógica a los lenguajes expresivos, cuando en realidad son necesarios para que el alumno se desarrolle de una manera integral y correcta. Deberíamos tener en cuenta que la actividad plástica es una forma de comunicarse por lo tanto con esta carencia estamos privando a nuestros alumnos de un tipo de comunicación existente a los que todos deberíamos tener derecho de acceder.

Como en el artículo anterior habla de la falta de preparación de los docentes pero como ya hemos abordado el tema antes dejaremos este espacio para contar otras cosas significativas del artículo como por ejemplo que se habla del avance de la disciplina artística en el paso de los años y aquí nos gustaría destacar que en la década de los 80 y los 90 el área comienza a llamarse "disciplina artística" y la dotaron de contenidos propios.

Para finalizar con este artículo lo que podríamos decir es prácticamente lo que hemos dicho antes que hay que trabajar para que se cree una educación intregral y en la que todos tengan derecho a formarse artísticamente.

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